生于俄国，早年的犹太人习俗是他根深蒂固的想象之源。
他的风格兼有老练和童稚，并将真实与梦幻融合在色彩的构成中。
由于他的国家要求某有一种类型的艺术，他被迫远走他乡，在美国和法国之间来回。
夏加尔是个高产画家，作品范围包括绘画，镶嵌画，舞台设计，织锦画等，许多公共建筑物，
如巴黎歌剧院及纽约联合国总部等都有他的作品。
《我和村庄》 马尔克 夏加尔 1911年 192 151厘米 现藏纽约现代艺术博物馆
夏加尔出生在俄国西部的小镇维台普斯克一个犹太家庭。早年在俄国画家彭恩的画室学习过，
１９０７年后在彼得堡，断断续续地学了三年，最后投向俄国舞台设计家巴克斯特门下。
到了巴黎后，起初他与各种流派画家们交往，也到各大博物馆和美术馆观摩，
渐渐改变了他在家乡时期的阴沉色彩。从这一幅《我和我的村庄》以及另几幅《从窗口见到的巴黎》、
《七个手指的我》等画来看，在他６０年的艺术生涯中，基本上没有跳出这种画风范围。
最初，夏加尔应用立体主义分解法来表达自己对故乡的怀恋，充分发挥他的浪漫抒情色彩，
构图颇有超现实主义特色。画上有古怪的人物、动物、颠倒的房屋、树木和人，时空被打乱，
正常透视比例被放弃，一切事物好象失去了重力一般被任意安置在空间。
只有“我”与那头大牡牛在亲切地对话。背景有典型的俄国房子，还有教堂与钟楼。
画家用重叠法，在牛头中又添画了妇女挤奶形象。前景正中，画了一棵开花的树。
这一切，残留在记忆中的杂乱形象叠现出来，成了一幅梦的写照，一个色彩的奇境。 有人说他的画幻想出奇，
他说：“很多人说我的画是幻想的，这是不对的。其实，我的绘画是写实的。只是我以空间第四维导入我的心理空间而已。而且那也不是空想……我的内心世界，一切都是现实的，恐怕比我们目睹的世界还现实。”
让艺术服务于思想。因为他喜欢呼吸甚于喜欢工作。
杜尚（1887－1968），生于法国，卒于法国，而其艺术盛期则是在美国度过的。
杜尚早期学习印象主义的风格，主要代表作品有《下楼的裸女》《下棋》等。
1912年以后开始反传统的艺术观，停止创作传统手段的绘画和素描，并开始从事现成品艺术创作。
主要作品有《晾瓶架》《药房》以及饱受争议的《泉》等。
杜尚是美国达达主义的组织者，也是国际达达主义的领袖。
杜尚的玩笑却不是一时的，是长存不朽的。他嘲笑的不只是艺术的陈旧和拘泥，而是人类认识和对待世界的狭隘和刻板，这狭隘和刻板够他拿来笑话一辈子的。所以杜尚终其一生都在嘴角上带了一抹优雅的轻笑。他在年纪很轻的时候，就已经洞悉了这个闹哄哄的世界在堂皇而正经的表皮下具有的荒谬可笑之处，人类对自己慎重其事所带来的可怜和虚弱之处。由于他偶然落脚在艺术这块地盘上，他的火眼金睛只那么一就看出，艺术也像人类的其他活动一样，划地为牢，而且还自以为是。于是他拿起一个尿壶向艺术发难：艺术是什么玩意儿？我偏要拿非艺术来代替艺术。因而，杜尚在艺术创作上的玩笑超越了艺术风格这种皮毛的争执，让人们看到的是一个完全自由的灵魂翱翔在所有人类的规矩和尺度之外。因此，我们可以说，毕加索的贡献是给艺术提供了新语言（毕加索的新语言已经衩后人革新又革新了），而杜尚的贡献却是给人的思想提供了一个新境界--无染无着的自由；毕加索的艺术把我们领进的是一个视觉美的天地，而杜尚的艺术把我们领进的却是一个生命美的天地。
杜尚这样一位奇特而罕见的艺术家的出现改变了西方现代艺术的进程--一个人的存在能改变历史的进程，这样的例子是不多的。西方现代艺术，尤其是第二次世界大战之后的艺术，主要地沿着杜尚的思想轨迹进行的。因此，了解杜尚是了解西方现代艺术的关键。和毕加索不同是，杜尚最好的作品，似乎不是他的画或雕塑，而是他的人生、他的思想、他的情怀、他的风度。在西方画家中，没有哪一个车家像他画的那样少，最后以至于干脆不画，也没有哪一个画家像他那样，凡有作品问世几乎都成划时代之作。他的《下楼的裸女》在1913年的纽约军械库展览中是一颗引起最大骚动的“重磅炸弹”。他的《泉》，《大玻璃》，甚至他的一个小玩笑：给蒙娜丽莎画胡子，都是现代艺术的里程碑，完全改变了艺术在现代的观念。作为一个艺术家，他不属于任何流派，但许多现代流派都争着认做他的法嗣。在当今风格、流派更换迅速的趋势下，杜尚对西方艺术家来说仍然是一座取之不竭的宝山，仰之愈高，弥之愈坚。他的创作笔记是这个世纪最难懂的“天书”，照相被子翻成英文、德文、西班牙文、日文和瑞典文。作为一个艺术家，杜尚并没有创造新的美的艺术风格，但他却能轻巧地把美提示在最平常最微妙的地方：在他呼吸的清氛中，在他机智的表情中，在他优雅的动作中，在活着--这样一个人从都拥有的事实中。杜尚等于是用他自己的生活、生命本身提醒了我们这样一个重要事实：艺术被限制在一幅画或一个雕塑中是一种狭隘。他把艺术放大为做人，放大为人生。从他开始，艺术不再只是让我们能够画出一张美丽的画的技巧，艺术可以成为让我们活得潇洒，活得不苟从，活得充满创意的生存状态。只有懂得了杜尚，我们才会认识什么样是自在自为的生命的真意义。从杜尚给我们打开的门出去，我们得到的不是视觉美而是生存的奥秘。他就是一座山，顺着他上去，可以使我们拔地而起，离开自我中心的樊笼、自以为是的虚妄，看见宇宙的和谐、永恒和自在无为。他是一条路，顺着他走过去，可以使我们明心见性，尝到真人生的甘美。
《下楼梯的裸女》
有一年，他将《下楼梯的裸女》送到浦托集团的沙龙中展出：一个正在下楼的裸体，而且是一个机械一般的裸体。杜尚的作品激怒了所谓前卫艺术家们的审美趣味，杜尚当即把作品从展览上用出租车运回家里，从此，他不再相信什么集团，不相信任何主义与教条，不再相信任何人为的东西，其中包括一切被我们通常视为极其重要的人类事物：政治，宗教，艺术，伦理。他认识到要保持人自己真正的自由就必须和人类所有立规矩建标准的企图分开，无论其规矩或标准是在什么名义下的：正统的，权威的，革新的，先锋的……都不介入。他对任何组织和流派都失去兴趣，他避开了与艺术圈子的人交往，在图书馆找一份差事，喜孜孜地帮人借书还书，他和当时的现代艺术决裂，与人类一向以自我为中心的狭隘的理性决裂。杜尚具有一贯的怀疑精神，永远不接受现成的东西，他宁可不做也不重复自己；不断地变换自己的思想和创作方法，不断地试验，不愿意窝在一种风格里讨生活，用他的话说：从本质上说我对改变有一种狂热。他常常自己和自己做对，为的是不让自己安逸在现成的趣味之中，
杜尚用他自己的生活、生命本身提醒给我们这样一个重要事实：艺术被限制在一幅画或一个雕塑中是一种狭隘。
他把艺术放大为做人，放大为人生，艺术能让我们活得潇洒，活得不苟从，活得充满创意。
杜尚的存在本身就是一件风格清新的美妙作品.
珂勒惠支（Kathe Kollwitz，1867-1945）是一个耳熟能详但却又很难真正接近名字，
她一辈子都在不停地画贫苦的工人、逼近的死亡、受欺凌的农民、无所畏惧的反抗，
还有那些饥饿的儿童、饱经磨难的母亲、以及记载着心路历程的自画像，凡此种种，
她被看作一位了不起的女性，一位具有崇高责任感的画家。但也正因她的直接和力量，
使读者面对其作品时难免产生道义上的窘迫与尴尬，这些从形式上毫不具备女性气质的黑白版画，
谈不上赏心悦目，却有着坚韧单纯、迫近人心的精神能量。
珂勒惠支一生经历了德国政局激烈的变化和两次世界大战带给欧洲的动荡，
同20世纪初的许多艺术家一样，她的艺术中满怀对平等的渴望和对暴政的反抗。
柯勒惠支的版画《面包》
这幅作品描写的是第一次世界大战后德国儿童与妇女饥饿形象的一个侧面，因为没有面包，
两个饥饿的孩子拉扯着母亲的衣服在啼哭，无可奈何的母亲留给我们的只是一个背影，
但仍无法掩盖内心难以抑制的悲痛感情，画家只用了简练的几笔，
但处在生活重压下苦难而伟大的母性形象已跃然在眼前。作品没有烦琐的线条，也没有色彩的渲染，
但每根线条都蕴含着强烈的爱憎和情感，在黑白世界里囊括了感人肺腑的力量。
如生命和历史的那永远的一刻，
女画家的作品也演变为历史在那一刻的见证和这一刻的承诺。
讨论文字和艺术符号的意义本身无意义。
作为个体的感性和醒悟方能铸造今日的历史和明日的记忆。
（Käthe Kollwitz 1867年7月8日－1945年4月22日）
是德国表现主义版画家和雕塑家，20世纪德国最重要的画家之一。
柯勒惠支出生于俄罗斯克尼哥斯堡（现在的加里宁格勒）的一个德裔家庭，原名凯绥 施密特。
14岁时即开始学习绘画，1884年进入柏林女子艺术学院学习，后来又到慕尼黑学习。
1889年和在贫民区服务的医生卡尔 柯勒惠支结婚，1898年开始在柏林女子艺术学院任教。
其间几次游历巴黎和意大利。1909年回国后为一个漫画杂志Simplicissimus.工作。这时，
她已经成为一个社会主义者。她的早期作品《织工反抗》《起义》《死神与妇女》、《李卜克内西》《战争》（组画）等，不仅以尖锐的形式把在资本主义制度下工人阶级的悲惨命运和勇于斗争的精神传达出来，
而且唤醒人们反对侵略战争，要根除战争根源，实现世界和平的理想。
1914年在第一次世界大战中，他的儿子被征入伍在西线阵亡。
1920年她和爱因斯坦等人组织成立了国际援助工人组织。1932年她和其他社会主义者组成反对纳粹的阵线，
希特勒上台后，她被取消普鲁士学院院士的荣誉，虽然她是第一位被选为普鲁士学院的女性院士，
并禁止她的作品参加展览。1940年她丈夫去世，1945年他的孙子又在东线阵亡。1943年她的住宅被炸毁，
她离开柏林到德累斯顿附近的一个小镇居住，并在那里逝世。
她因为和丈夫居住在贫民区，了解普通人民的贫困境遇，她的作品从一开始就反映普通人民的贫苦生活，
因此在第一次获得金奖时，就被当时的[威廉二世国王取消。后来她又创作了《悼念卡尔 李卜克内西》
和为工人组织创作的一系列招贴。儿子去世后又创作了许多悲伤母亲的形象，宣传反战思想。
她的作品充满悲伤和凄惨的情绪，如实反映了19世纪末20世纪初德国底层人民的可悲状况。
柯勒惠支还对铜版画和石版画的技术有许多改进和创造。
柯勒惠支的作品首次被鲁迅先生介绍到中国，对中国现代版画的发展起了很大的影响。
鲁迅评价她的作品是：“她以深广的慈母之爱，为一切被侮辱和损害者悲哀，抗议，愤怒，斗争；
所取的题材大抵是困苦，饥饿，流离，疾病，死亡，然而也有呼声，挣扎，联合和奋起。”
她的作品题材多以表现工人、农民的苦难、饥饿、疾病、死亡、挣扎和反抗、斗争，如组画
《农民战争》中《磨镰》、《反抗》、《俘虏》和《纺织工》、《团结就是力量》、《纪念李卜克内西》等，
她的版画和素描，人物形象生动真实、用笔刚劲、单纯统一，富有强烈的感染力。
柯勒惠支的主要作品
穷困（1893年）
末日（1897年）
下工的工人（1897年）
自画像（1897年）
起来（1899年）
自画像（1900年）
哀悼去世孩子的妇女1903年）
觉醒（1903年）
战场（1907年）
囚徒（1908年）
志愿者（1920年）
母亲们（1921年）
不要再发生战争（1924年）
自画像（1924年）
死神的召唤（1934年）
自画像（1938年）
《战争》(组画之一《牺牲》)
内在情感永远应当是绘画的主旨。
在这样伟大的画家面前，我们不会无动于衷。
雷內．馬格利特（Rene Magritte）一八九八年十一月廿一日生於比利時，父親是個商人。
馬格利特十四歲的時候，一直都有自殺傾向的母親投河身亡，
這個打擊使他從此變成一個個性焦慮不安、悲觀、憂鬱、叛逆而反社會常規的問題少年。
一九二七年，結婚剛滿五年的馬格利特和太太喬爾潔特（Georgette Magritte）來到巴黎。
喬潔特的個性和整天夢想要到藝術之都飄泊的馬格利特可以說是天南地北，
她一生最大的願望就是在鄉下買棟大宅院相夫教子。於是，
兩人在折衷之後在巴黎郊區買了一間兩房一廳的小公寓住了下來。因為家裡空間不大的關係，
馬格利特只好在廚房的桌子上作畫，這個習慣從此跟著他一生。住在巴黎的這段時間，
馬格利特經常參加巴黎畫家們的聚會，結識了一群志同道合的超現實主義畫家，
並且在一九二九年和阿爾普（Arp）、達利以及坦基（Tanguy）一起在好友的畫廊舉辦聯合畫展。
一九六五年，紐約現代藝術美術館（MoMA）替他舉辦了第一次的作品回顧展，
此時馬格利特的身體狀況已經開始逐漸走下坡。一九六七年八月十五日於比利時家中過世。
熟悉超現實主義畫派的人都知道，馬格利特畫作中最主要特色的便是「變化」：材質的變化，
例如木質化的肌膚；形體的變化，例如變成飛鳥的樹葉；名稱的變化，例如高跟鞋下標著「月亮」、
蠟燭底下寫著「天花板」、明明畫了一支煙斗卻寫著「這不是一支煙斗」……等。雖然如此，
他的繪畫卻幾乎總是圍繞在少數幾個具有代表性的主題之中。
Rene Magritte 馬格利特 The rape 《強暴》 1934年 73 54 cm
马格利特的作品不只是为了色彩和思维的转接,我想更是一种光明的告白。
纳粹铁蹄践踏了整个欧洲,死亡从神圣的理想和崇高的口舌中衍生出来,
文明已被强暴得体无完肤
该留给我们以怎样的教训！！！
1904年5月11日生于西班牙菲格拉斯，1989年1月23日逝世。西班牙超现实主义画家和版画家，
以探索潜意识的意象著称。与毕加索、马蒂斯一起被认为是二十世纪最有代表性的三个画家。
他是一位具有卓越天才和想象力的画家 。在把梦境的主观世界变成客观而令人激动的形象方面，
他对超现实主义、对二十世纪的艺术做出了严肃认真的贡献。达利的一生充满了传奇色彩。
除了他的绘画，他的文章、他的囗才、他的动作、他的相貌、他的胡须和他的宣传才能。
他用所有这一切，在各种各样的语言中造就了超现实主义这一个专有名词，
去表示一种无理性的、色情的、疯狂的而且是时髦的艺术。达利的生活本身就是一个十足的超现实主义者，
以至其它的超现实主义者对他的笃诚和绘画成就，抱有强烈的怀疑态度。主要的证据也许就是他那些绘画，
没有人能够否认得了他那无尽的才能、想象能力或者他所显示的强烈信心。
《内战的预兆》
1937年，法西斯空军对西班牙北部巴斯克的重镇格尔尼卡进行试验性的轮番轰炸，是震惊世界的惨案。
就在这前一年，达利便已敏锐地预感到西班牙内战的来临，便立即创作了这幅《内战的预兆》。
画家运用细腻的笔法画出了被肢解的人体，用人体贯连构成框架式的结构充满画面，用蓝天白云作背景，
表明这一罪行是在光天化日之下进行的。画家以此象征战争的恐怖和血腥，
就像一场血肉横飞、尸骨四迸、令人毛骨悚然的恶梦。
从此，“野心与日俱增”。达利说，“超现实主义就是我”，在超现实主义领域无人匹敌。
他开创了“偏执狂批评方法”，并创作了一系列著名的形象，柔软的钟表、腐烂的驴子和聚集的蚂蚁……
达利喜欢最真实地表现最不真实的物体和情景；达利自我炒作、标新立异，登峰造极。达利说：
“我与疯子的惟一不同之处在于我没疯”。他创造了一个时代的形象，那个经常在其画作中出现的
“柔软的钟表”，在达利的世界里，时间第一次被质疑、被消解了……
《记忆的永恒》达利作 1931年，布上油画 24x33厘米 纽约现代艺术博物馆藏
《记忆的永恒》作于1931年，它受到弗洛依德的启迪，表现了一个错乱的梦幻世界。我们看到，
清晰的物体无序地散落在画面上。那湿面饼般软塌塌的钟表尤其令人过目难忘。无限深远的背景，
给人以虚幻冷寂，怅然若失之感。达利的绘画往往是支璃破碎的，充分展示了无意识的梦幻场景。
但实际上，这些看似偶得的幻觉形象，必定经过了画家相当的努力；而看似无意识的画面，
必定是有意识计划的结果，甚至是惨淡经营的结果。《记忆的永恒》也不例外。弗洛依德曾这样对达利说：
“你的艺术当中有什么东西使我感兴趣?不是无意识而是有意识。”
1927年，达利与超现实主义诗人艾吕雅的妻子加拉相识。尽管加拉比达利年长10岁，
两人仍倾心相爱并很快走到了一起。从此，加拉成为达利的伴侣和守护神，也是他的模特儿和艺术灵感之泉。《由飞舞的蜜蜂引起的梦》描绘的是加拉的一个梦境，一个由于蜜蜂的蜇刺而引起的荒诞离奇的梦。
画面上，裸体的加拉悬浮在一块礁石上休憩，而礁石则漂浮在海面上。在加拉身旁，
一只红色石榴飘浮在礁石边，一只小蜜蜂正专心致至地围绕着石榴“工作”。
加拉的左上方，大石榴裂开了口，裂口中窜出一条大鱼，鱼夸张的大嘴中又跃出两条斑斓猛虎，
张牙舞爪地扑向加拉柔软的躯体。猛虎前面，一把枪直指加拉，尖尖的刺刀头点在加拉的臂膀上，
引起蜂蛰般的疼痛。远处，一只大象驮着尖顶方塔，迈着被极度拉长的竹杆般的四条腿走在海面上。
这样的大象，我们在他1946年的《圣安东尼奥的诱惑》中又一次看到。
一场由绕石榴飞舞的蜜蜂而引起的梦就这样呈现在我们眼前，它的颜色清澈明亮，形象逼真写实，
但却毫无逻辑性可言。“这一切象征什么y对这样一幅画中的石榴、蜜蜂、老虎、大象、大海……
可以赋予它几种甚至上百种意义的解释；而每一种解释都有深刻和浓厚的色情含义。”
(Angelo De Fiore等著，乐华等译：《西洋巨匠美术丛书 达利》文物出版社第24页)。
达利不仅画画，还从事雕塑、电影拍摄、写作、设计等工作。他曾与他人合作完成电影《一条安达鲁犬》、
《黄金时代》，撰写《萨尔瓦多 达利的秘密》、《一个天才的日记》，
为芭蕾舞设计布景、服装，设计珠宝“皇家之心”、“时间之眼”，还有著名的“螯虾电话”等。
经他手的每件作品，无一例外地留有超现实主义的梦幻痕迹。1982年，加拉去世后，
他把他的全部财产捐赠给西班牙政府，建立了“加拉——萨尔瓦多，达利基金会”。
1989年1月23日，达利离世，被安葬在他自己设计和装饰的剧场博物馆内。
达利，这个名字曾经意味着功成名就和荒诞不经，时至今日，它依然如此。
达利常以性、死亡、梦境与变态心理等作为其主要的描绘课题，
他的“梦”除了创造真实感外还寄寓了某些他所特别偏爱的内涵。
《哥伦布之梦》中，达利作了神奇的构思，表现的是船队登岸时的情景。
画面中茫茫的大海，有如白皑皑的冰雪之地；木帆船画得很小，像一条小驳船；
提拽木船的古代青年与浸入水中的侧面青年像刻画得很真实；
带有十字架、耶稣像和圣母画像等的旗幡罗列得像古代仪仗队伍，无尽无休；
远处的船也正在源源不断地随来，由于风雪交加，一切似乎是模糊的，处在雾蒙蒙的混沌之中。
这一切看起来像超乎现实的真实，但它只是一幅梦的意象，这里没有时间与空间的制约，场景似是而非，
主观上的虚拟性加强了情景的反理性因素，气氛独特，令人不可捉摸。
达利认为，这个世界本来就是充满着重重矛盾，而解决这些矛盾的“最好办法是精神堕落和呆痴”。
《哥伦布之梦》表达了画家对西方现代社会的精神危机的逃避，
希望让逝去的哥伦布再一次发现人类的精神新大陆。
l. 一个画家至少要懂得五种不同画笔的运用技巧。
2．要画出飞翔般的境界，就得把画笔运用的技巧提升到如拿扇子似的熟练（画笔要像扇子一样地闪动）。
3．梦幻的秘密要有一只钥锁。
4．梦幻的秘密就像海中的海胆一样。
5. 梦幻的秘密就像海狮有三个眼睛。
6．惟有清醒才能洞悉睡眠的秘密。
7．一个画家要能分辨与掌握好感与恶感的视觉反射作用。
8．画家务必把喜爱的草木，种植在自己的家园。
9．一个画家要知道什么时候适合****，什么时候不宜有性行为（也就是画家要能掌握自己的生理状态）。
10．一个画家必须能把重要的绘画灵感，在六天内表达出来。
11．画家要能透视深远，观察入微，并在作画中懂得适可而止的道理，知道在什么时候应该停下你的画笔。
12．画家要洞悉结婚的秘密。
13. 要知道为什么卡拉（Gala）爱绘画而绘画也爱卡拉（达利的妻子）的秘密。
14. 橄榄的造型美感可以当作画家选太太的参考。
15．要晓得蜘蛛如何结网的秘密。
16．要懂得运用蜘蛛网结构的布局。
17．要有一个小小的顶盖保护你的画，以免蒙沾灰尘
（意即具备最起码的经济条件以保障绘画制作的单纯）。
18．画家的秘密在于胡子的顶端。
19．知道绘画之前要先学习作画（学而知之的意思）。
20．想画出左右颠倒的视觉现象，要懂得利用一面镜子。
21．要懂得经由九个不同角度描绘出模特儿最美的地方。
22．绘画中的曲线，要有如粘到油脂般滑润的感觉。
23．一个好的素描家要裸体画素描
（意即要成为一个好的素描家，不能带着穿衣服的感觉去画裸体的模特儿）。
24．临摹描绘最好的方法就是用油画。
25．富有色感的画家，能够只用黑白两色画出许多色彩变化。
26．要懂得“那不勒斯黄”的秘密。
27．画家要让画自己慢慢地干。
28．要懂得分辨两种黑色的不同机能，用有反光的黑色做底，另用一种葡萄黑做边。
29．对于物体的质感与触觉，要表达得像画家手中的茧一样的逼真与传神。
30．要懂得去除调色板上焦浊的阴影。
31．要了解银白色的秘密。
32. 要晓得“威尼斯红”的秘密。
33．要晓得Marte星座的颜色秘密。
34．要知悉绿宝石的颜色的秘密。
35．要察出镉（Cadmium）金属的秘密。
36. 要晓得朱砂的秘密。
37．要了解群青色与其他颜色难以调和的秘密。
38．要知晓钴化学蓝的秘密。
39．要知晓化学紫的秘密。
40．要体会出视觉上太阳曝光（即人的眼睛在黑暗中刚刚接触到阳光）的神妙。
4l．要能够运用如黄蜂尾针般纤细的工具作画。
42．贝壳的颜色不等于贝壳本身，画家眼中出现的物体的颜色，不是物体本身的颜色。
43．如果懂得用颜色画出黄金，画家可以成为富翁。
44．要了解Piero della Francesca（15世纪意大利画家）画出的蛋悬在空中的奥秘。
45．画家的沉思必须如同海胆的骸骨。
46．画家要懂得在画面构思“黄金分割”般的布局，以造成精确的表达。
47．物体的放大与缩小，要有如手握圆规操作般的准确。
48. 画家在模特儿周缘要有空间角度的敏感，以引导出他的画面结构。
49．从葡萄的须可以体验出线条弯曲的奥秘。
50．永恒的奥秘是两个视线相辅相成而不是互相干扰。
《丽达与天鹅》
